Departamento de Cinema Rádio e Televisão – Ágora Eca

“13 Andares”: produção EAD/CTR dirigida por Eliana Fonseca

Ágora ECA — Wed, 22 Jan 2025 19:36:11 +0000

Primeiro longa-metragem da EAD em 70 anos e segundo da ECA em 50, “13 Andares” foi um projeto multidisciplinar e colaborativo que reuniu pela primeira vez alunos das duas escolas. Será a exibição de janeiro do CineClube ÁgoraECA, com a presença da diretora e de integrantes da equipe para um bate-papo.

Idealizado e conduzido por Eliana Fonseca, que também assina a direção, o filme foi um processo de criação inédito, que contou com a participação de mais de 50 pessoas entre alunos, professores e funcionários. Foi a primeira associação entre as duas escolas e o primeiro trabalho da EAD destinado para as telas.

O projeto foi pensado a partir da ideia do ator-autor. O processo começou com uma pergunta para os atores: sobre o que vocês querem falar? A partir daí, eles começaram a pensar em personagens e situações junto com os roteiristas. A história foi desenvolvida por 13 atores da turma 64 (2012) da EAD e 6 alunos roteiristas do Curso de Audiovisual do Departamento de Cinema, Rádio e Televisão (turmas 2013 e 2014).

A ideia dos alunos era discutir temas cotidianos de quem vive numa cidade grande como São Paulo, como solidão, amor, violência, corrupção, apatia, empatia e a busca pela própria identidade. A partir daí foram criados 13 personagens que se entrelaçam através de encontros e desencontros que se dão nos 13 andares de um prédio de apartamentos.

Realizado com recursos disponíveis no CTR e na EAD, como sala de ensaios, estúdio e equipamentos, a produção ficou a cargo de um crowd funding. Apesar dos poucos recursos, o filme mostra o talento e a criatividade da jovem equipe que o realizou.

Além do rico processo de aprendizagem para os participantes, o resultado é um filme humano, tocante e profundamente verdadeiro, com atuações marcantes dos jovens atores da turma de 64 da EAD.

Sobre a diretora

O projeto foi idealizado por Eliana Fonseca, reconhecida por trabalhos como “Frankenstein Punk”, “Rá-Tim-Bum”, “Castelo Rá-Tim-Bum” , “Ilha Rá-Tim-Bum”, entre muitos outros.

Ecana formada em Cinema (turma 1980) e na EAD (turma 1981), Lili sempre teve interesse na relação do ator com a mídia do cinema, fruto de sua experiência tanto como atriz, quanto como diretora, e conduziu esse projeto quando era professora de Interpretação para Audiovisual na EAD.

No curso, ela quis trabalhar não só a atuação para a câmera, mas também a participação do ator dentro da criação dramática de um filme, torná-lo um ator-autor. Assim, ela viu nesse projeto colaborativo uma oportunidade para colocar sua proposta em prática.

Esse sonho de fazer um trabalho interdisciplinar era antigo, da época em que ela frequentava simultaneamente os dois cursos. Eliana aproveitou o convite feito pela Escola de Arte Dramática para ministrar aulas de interpretação para a câmera e fez um convite a ECA para que os alunos do curso de Audiovisual formassem uma equipe para a realização de um filme. Com um processo de investigação inédito, voltado para a figura do ator como autor criador, o longa resultou não só em um excelente produto audiovisual, como um instrumento de pesquisa de criação e produção.

Assista aqui ao trailer do filme:

Ficha técnica

13 Andares – Brasil, 2018, 100 minutos, comédia dramática

Produtora: Departamento de Cinema, Televisão e Rádio (CTR) e Escola de Arte Dramática (EAD) da Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo (ECA-USP)

Direção: Eliana Fonseca

Elenco: Alaissa Rodrigues, Arce Correia, Bruno Sperança, Chico Guerra, Elton Santos, Helena Miguel, Julio Mello, Marina Mathey, Marisa Bezerra, Renan Ferreira, Tenca Silva, Rodolfo Valente e Thiago Nascimento

Atores Convidados: Ana Elisa, Ana Paula Lopez, Angela Ribeiro, Bete Dorgam, Daniel Aureliano, Daniel Bittencourt, Debora Rebecchi, Evandro Cavalcante, Igor Armucho, Luciana Selymes, Nivio Diegues, Pascoal da Conceição, Vera Lamy e Vivi Almeida

Roteiro: Alaissa Rodrigues, Arce Correia, Bárbara Framil, Bruno Sperança, Chico Guerra, Eliana Fonseca, Elton Santos, Helena Miguel, Igor Daurício, Isabella Yoshimura, João Bley, Joyce Rossi, Julio Mello, Marina Mathey, Marisa Bezerra, Pedro Brito, Pedro Costa, Tenca Silva, Rodolfo Valente, Thiago Nascimento

Direção de Produção e Produção executiva: Pedro Brito
Produção: João Bley, Laura Barzotto, Lucas Pecoraro, Fer Cabral

1º assistente de Direção: Daniel Gomes
2º assistente de Direção: Arão da Silva
3ª assistente de Direção: Flavia Lucena
3º assistente de Direção: Fer Cabral
Continuísta: Igor Daurício 2013
Assistentes de Eliana Fonseca: Daniel Bittencourt, Pedro Achilles

Direção de Fotografia: Leandro Paiva 2013
1ª assistente de Câmera: Flora Correia 2014
2º assistente de Câmera: Vitor Brandão, Maria Clara
Logger: Mateus Albino
Assistente de Câmera adicional: Aline Santos, Bárbara Framil, Clara Dia, Tito Melo
Eletricista-chefe: Arthur Tuzão Ribeiro
Assistente de Elétrica: Daniel Martinez, Danilo do Carmo, Fernando Borba, Joyce Rossi, Lucas Campo

Montagem: Igor Daurício
Assistência de Montagem: Matheus Biscaro, Luisa Noriko, Priscila Nakamura

Direção de Arte: Andrey Moritz, Alice Hirata
Produção de Arte: Andrey Moritz
Cenografia: Alice Hirata
Cenotécnicos: Gabriel Barreto, Zito Rodrigues de Oliveira
Produção Gráfica: Igor Daurício, Bruno Luvizotto
Figurinista: Marisa Bezerra
Costureira: Silvana de Carvalho, Raimunda Lopes da Silva Santos
Concepção de Maquiagem: Fabi Akamine
Assistente de Arte: Arce Correia, Glaucia Tiemi, Guilherme Almeida e Vinicius Bogas
Ajudantes de Arte: Bruno Sperança, Diogo Soares, Elton Santos, Helena Miguel, Julio Mello, Marisa Bezerra, Tenca Silva e Rodolfo Valente
Ajudantes adicionais: Chico Guerra, Fernando Esposito, Gabriel Hirata, Júlia Fávero, Karen Gronich, Lucas Pecoraro, Lucas Sátolo, Paulo Matoso Correia, Pedro Achilles, Thiago Nascimento

Som Direto: Letícia Kamiguchi, Pedro Palas
Microfonista: Lucca Chiavone Alves

Pós-produção de Imagem (Composição e Motion Design): André Neumann de Deus
Colorista: Isabela Moura

Trilha Original: João Gabriel Rodrigues

Edição de Som Direto: Mariana Andrade
Edição de Sons Ambientes e Efeitos Sonoros: Bruna Machado
Edição de Efeitos Sonoros: João Bley
Mixagem: Sandro Dalla Costa, João Godoy
Assistência de Edição de Som: Luiza Matravolgyi, Raísa Queiroz

Motoristas: Fer Cabral, Marcos da Silva (Marcão), Roberto Sampaio, Gleide Ramos, Wanderley Bonfim

Apoio didático
Som Direto e Pós-Produção de Som: Prof. Dr. João Godoy
Montagem: Prof. Dra. Vânia Debs
Produção: Prof. Dr. Luiz Dantas
Fotografia: Prof. Dr. Joel La Laina

Ecanos lançam documentário sobre as memórias musicais de Caio Pagano

Ágora ECA — Fri, 21 Jun 2024 18:57:12 +0000

Caio Pagano, na apresentação do álbum “Últimos Pensamentos Musicais” na Sala São Paulo

“Pagano” estreou em junho no In-Edit Brasil – Festival Internacional do Documentário Musical com a presença do pianista, que foi um dos criadores do Departamento de Música da ECA

Um dos principais pianistas eruditos do Brasil com sólida carreira internacional, Caio Pagano vive há quatro décadas nos EUA, onde é professor catedrático da Universidade do Arizona, e veio ao Brasil para o lançamento de “Pagano”. O filme mostra a gravação do álbum “Últimos Pensamentos Musicais” e conta com os ecanos Carlos Nascimbeni (direção), Angela Volcov (produção executiva) e Marco Romiti (fotografia) na equipe.

O diretor Carlos Nascimbeni, Caio Pagano e Leonardo Kehdi, do Festival In-Edit, na Cinemateca Brasileira na estreia do documentário

Sobre o filme

“Pagano” | Carlos Nascimbeni | Brasil | 2024 | 72′

“Pagano” foi gravado entre 2021 e 2023 no Teatro Cultura Artística ainda em reforma após o incêndio de 2008, com o pianista relembrando a época de ouro da casa, grandes concertos e curiosidades das apresentações, e na Sala São Paulo, durante a gravação do álbum “Últimos Pensamentos Musicais”, com as últimas obras para piano de grandes compositores: Ravel, Bach, Mozart, Beethoven, Schubert, Chopin, Schumann, Liszt, Brahms, Debussy, Prokofiev e Guarnieri. Também foram feitas gravações no Theatro Municipal, no Conservatório de Tatuí e em locações em São Paulo.

O documentário recorda a adolescência do pianista em São Paulo, quando conviveu com nomes como Guiomar Novaes, Magdalena Tagliaferro, Gilberto Tinetti e Nelson Freire. “Eu quis recordar essas memórias porque há momentos muito interessantes e cenas que fazem parte da história de São Paulo”, afirma Caio, nascido em São Paulo em 1940, formado em Direito pela São Francisco e doutor em Música pela Universidade Católica de Washington. O pianista também comenta sobre as obras escolhidas para o álbum “Últimos Pensamentos Musicais”.

Caio Pagano e Frederico Lohmann, superintendente do Teatro Cultura Artística, durante gravação do filme

Caio Pagano, durante gravação do concerto na Sala São Paulo em 2021

Sobre a equipe do filme

“Pagano” foi idealizado por Angela Volcov Rimoli. Aluna de Pagano durante o período em que ele lecionou na ECA (1971 a 1984), ela fez o Bacharelado em Piano (turma 1978) e a Licenciatura em Música (1982). Também é responsável pela produção executiva do documentário.

A direção é de Carlos Nascimbeni, que fez o curso de Cinema (1975) e deu aula para as últimas turmas de Rádio e TV em 2001 e 2002. Como aluno, Carlos foi presidente do Centro Acadêmico Lupe Cotrim (1978) e do Cine Clube Luz Vermelha (1977) e membro da revista Cine Olho.

A fotografia é de Marco Romiti, bacharel em Cinema (turma 1980), mestre em Ciências da Comunicação (1997) e professor do CTR entre 1996 e 2019. É doutor em Ciências da Comunicação pela Universidade Paulista e autor do livro “Luzes e Sombras da Noite”.

Caio Pagano fala sobre a ideia que deu origem ao documentário e as peças do álbum “Últimos Pensamentos Musicais”:

Assista ao trailer do documentário:

Bernardet em tempo de memória

Ágora ECA — Fri, 08 Dec 2023 16:16:27 +0000

Por Amir Labaki*

A autobiografia em terceira pessoa de um decano dos críticos de cinema

“Wet Mácula” (Companhia das Letras, 144 págs, R$ 89,90), o livro memorialístico do crítico de cinema Jean-Claude Bernardet, escrito em parceria com a roteirista Sabina Anzuategui, intitulava-se inicialmente “Autobiografia em terceira pessoa”. Sua catalisadora e coautora original seria a editora e tradutora Heloísa Jahn (1947-2022), que faleceu antes de dar forma às conversas gravadas com Bernardet, duas vezes por semana, entre maio de 2021 e junho do ano passado.

A forma final consolida as contribuições de ambas as escritoras. De Jahn, além da pauta cobrindo momentos centrais da trajetória pública e privada do decano dos críticos de cinema do país, hoje aos 87 anos, cumpre-se o roteiro episódico, desenvolvendo-se como “irradiações” a partir de temas e momentos de maneira algo cronológica sem ortodoxia. De Anzuategui, se aplicou a estrutura inspirada por “um livro de memórias de Vivian Gornick” por ela traduzido: “trechos, nunca longos, em que ela se lembra, associa, interpreta pequenas ações”.

Esse parentesco estilístico salta aos olhos ao comparar-se a escrita de “Wet Mácula” com a do logo anterior “O Corpo Crítico” (Companhia das Letras, 2021), uma coletânea de escritos entre o autobiográfico e o ensaístico em torno da relação de Bernardet com o próprio corpo: o embate vitorioso contra a Aids; a recusa, diante do diagnóstico de um câncer, a protocolos médicos que tratam a “longevidade” como “uma necessidade industrial”; o movimento pela dança; as relações entre corpo e pensamento. Outro tipo de livro, uma nova parceria (como antes na ficção desenvolvera com Teixeira Coelho, por exemplo, em “Os Histéricos”), um estilo textual necessariamente distinto.

Em tudo diferentes entre si, dois volumes anteriores de Bernardet dialogam mais diretamente com “Wet Mácula”. “Aquele Rapaz” (Brasiliense, 1990; Companhia das Letras, 2003), um romance de formação assumido como “ficção autobiográfica”, já percorria a parte inicial do novo livro, com sua infância e juventude, a formação burguesa na França e a áspera mudança para o Brasil, a família cindida e a identificação como “bastardo”.

O segundo volume, um dos tantos não citados nas memórias não exaustivas de agora, é “Trajetória Crítica” (Polis, 1978; Martins Fontes, 2011), uma primeira reunião de críticas cinematográficas publicadas sobretudo na imprensa (Suplemento Literário, Última Hora, A Gazeta, Argumento), em que sucedem aos textos originais breves comentários autocríticos, os contextualizando e debatendo sem qualquer complacência. De “Aquele Rapaz”, assim, a revisita às próprias origens; de “Trajetória Crítica”, por sua vez, não é ao objeto, isto é, à discussão dos comentários a filmes, que reencontramos, mas sim ao método, agora aplicado a episódios de sua própria vida.

Não se trata em “Wet Mácula” de dissecar a evolução do pensamento cinematográfico de Bernardet, mas sim de reafirmar como o cinema é central à sua vivência. Eis sua aproximação como frequentador do Cineclube Dom Vital e como aluno do curso da Cinemateca Brasileira. Eis o encontro fundamental com Paulo Emílio Salles Gomes (1916-1997), “o primeiro adulto que me leva a sério”. Eis o desenvolvimento como crítico, com os primeiros textos, ainda traduzidos do francês, para o Suplemento Literário de O Estado de S. Paulo, e, no calor da hora do Cinema Novo, seu primeiro livro, “Brasil em Tempo de Cinema” (Civilização Brasileira, 1967; Companhia das Letras, 2007). Eis a participação na fundação do curso de Cinema na Universidade de Brasília (UnB) e no da ECA-USP, experiências interrompidas com a brutalidade da ditadura militar (1964-1985), que o perseguiu desde a instalação, como recordam algumas das páginas mais reveladoras do livro.

Filmes marcantes emergem do fluxo de lembranças com parcimônia. Cito-os em ordem cronológica. As sessões da juventude já em São Paulo de “Lady Hamilton, A Divina Dama” (1941), de Alexander Korda, e do primeiro faroeste, “Império da Desordem” (1943), de Charles Vidor. A emoção de “A Doce Vida” (1960), de Federico Fellini, e a perplexidade diante de “O Ano Passado em Marienbad” (1961), de Alain Resnais. Bernardet gostou de “A Queda” (1973), de Ruy Guerra; considera “Na Estrada da Vida” (1976) “um dos filmes mais radicais de Nelson” (Pereira dos Santos); emocionou-se com o curta “Histerias” (1983), de Inês Castilho; e viveu “um abalo sísmico” vendo “Jogo de Cena” (2007), de Eduardo Coutinho.

Nas conversas editadas, Bernardet é ainda mais econômico quanto a livros. Não desgrudou enquanto não acabou “Crime e Castigo”, de Dostoievski. Enquanto ainda “mal lia e falava português” adorou “Memórias Póstumas de Brás Cubas”, de Machado de Assis. Classifica “A Náusea”, de Jean-Paul Sartre, como “livro marcante de minha vida”. Ficou “enlouquecido” com “Galáxias”, de Haroldo de Campos.

“Nunca tinha falado da cegueira”, confessa Bernardet perto do encerramento. O título de suas memórias se refere à progressiva perda da visão diagnosticada desde 2005 pela degeneração conhecida como “wet mácula”. “Narrar a própria vida é uma boia, à qual a gente se agarra”, anunciara logo nas primeiras páginas. Rage, rage against the dying of the light.

Texto publicado na coluna “É Tudo Verdade” de Amir Labaki no jornal Valor Econômico” e reproduzido no site do festival É Tudo Verdade.

* Amir Labaki é formado em Cinema pela ECA (turma 1982) e diretor do É Tudo Verdade – Festival Internacional dos Documentários.

Jean-Claude Bernardet tornou-se professor de Cinema da ECA em 1968 (na época ECC), foi cassado pelo AI-5 em 1969 e retornou à faculdade no começo da década de 1980. Na década de 1990, doutorou-se em Artes pela ECA. No Departamento de Cinema, Rádio e Televisão (CTR), ministrou disciplinas nas áreas de Roteiro, Dramaturgia Audiovisual e História do Cinema Brasileiro até 2004, quando se aposentou. Em 2012, recebeu o título de professor emérito da ECA. Além de crítico e teórico de Cinema, é também ficcionista. Participou de diversos filmes como roteirista, assistente de produção, diretor e também ator.

Sabina Anzuategui tem bacharelado, mestrado e doutorado pela ECA. Formou-se em Cinema e Vídeo (turma 1993), fez mestrado em Comunicação e Estética do Audiovisual (2003) e doutorado em Meios e Processos Audiovisuais (2012). Professora e escritora, trabalhou como roteirista em vários longas e é criadora do canal de vídeos “Exercícios de Criação Literária” e da séria em quadrinhos “Pérolas Perdidas”.

Fotos:

Jean-Claude Bernardet: Divulgação/Renato Parada

Sabina Anzuategui: Dani Sandrini

Ecanos no 34º Curta Kinoforum

Pauta — Sat, 26 Aug 2023 20:44:14 +0000

Alunos, ex-alunos e professores da ECA marcam presença no festival internacional de curtas

Com a mais robusta programação dos últimos anos, o 34º Curta Kinoforum – Festival Internacional de Curtas de São Paulo apresenta 301 filmes, representando 53 países. Com todas as atividades gratuitas, o evento acontece de 24/08 a 3/09, ocupando 45 salas de cinema e pontos de exibição na Região Metropolitana de São Paulo, com parte da programação disponível online para o Brasil.

A Escola de Comunicações e Artes da USP tem presença significativa na programação com filmes muito potentes de ex-alunos consagrados e de jovens profissionais, alguns em primeira exibição. No total, são 26 curtas com participação de alunos e ex-alunos da ECA, além da presença de ecanos na curadoria de programas e na apresentação de debates.

É o caso de atores e atrizes presentes em diversos filmes. Na Retrospectiva do Prêmio Estímulo, com produções paulistas dos anos 1980 e 1990, destacam-se Edson Celulari em “A Revolta dos Carnudos”, dirigido por Eliana Fonseca; Ney Latorraca e Rosi Campos, em “A Mulher do Atirador de Facas”; e Sandra Annenberg, em “Jogo da Memória”. E Eliana Fonseca também participa como atriz em “Epopéia”, de Michael Ruman. Na Mostra Brasil, “Olhares Trêmulos” traz dois atores da EAD: Plinio Soares e Alv Lara.

Ex-alunos da escola respondem pela direção de diversos títulos da programação. Anna Muylaert apresenta seu recente “O Nosso Pai”, enquanto Thais Fujinaga promove a pré-estreia mundial de “Quinze Quase Dezesseis”. Tata Amaral tem dois filmes incluídos: “História Familiar e “Poema: Cidade” – este último codirigido com Francisco Cesar Filho, que tem seu “Hip Hop SP” no evento. De Alain Fresnot, o festival apresenta “Amor que Fica”.

“Jardim Nova Bahia” é assinado por Aloysio Raulino, que foi aluno e professor, assim como Roberto Moreira, de “Amargo Prazer”. Já “Zuleika” é dirigido pelo professor Luis Dantas (CTR).

Aluno da primeira turma do então curso de Cinema da ECA, o diretor Djalma Limongi Batista (1947-2023) tem sua inovadora produção de filmes curtos revisitada e discutida em um debate. Seu filme de estreia, “Um Clássico, Dois em Casa, Nenhum Jogo Fora” (1968), além da ousadia temática (é tido como o primeiro curta-metragem com a temática LGBTQIA+ do Brasil), é a primeira realização do curso de cinema da ECA-USP e considerado um marco histórico no cinema brasileiro de curta duração. A obra causou impacto, tendo conquistado em 1968 os prêmios de melhor filme, direção, roteiro e montagem no Festival de Cinema Amador JB/Mesbla. O festival exibe esse e outros quatro curtas do diretor, alguns de rara circulação, como “Hang-five”, de 1975. Após a sessão agendada para o dia 2/09, às 18h, na Cinemateca Brasileira, acontece um encontro com o jornalista ecano Marcel Nadale, autor do livro “Djalma Limongi Batista – Livre Pensador”.

Em uma parceria com a ECA, o evento promove pelo terceiro ano consecutivo o seminário Conexão USP-Kinoforum, na Cinemateca Brasileira. Serão duas mesas de discussão: “A Produção das Escolas de Audiovisual da América Latina” e “Inteligência Artificial no Audiovisual”, apresentadas pelos professores Esther Hamburger e Almir Almas respectivamente.

O programa Curta Cinemateca, com clássicos do curta brasileiro, tem curadoria do professor do CTR Carlos Augusto Calil.

Curtas-metragens recentes produzidos no Curso de Audiovisual completam a participação da escola no festival. Estão programados “Batimentos”, de Pedro Petriche e Clara Dias; “JIB”, de Lira Kim; e “Olhares Trêmulos”, de Leno Taborda.

Alunos da ECA participam também do desafio “Noite de Kino”, que convida estudantes e coletivos a produzir um curta em dois dias, a partir de temas relacionados aos programas do festival. Benjamin Medeiros, Cristina Neves e Maria Carolina Caetano, do curso de Audiovisual, produziram o curta “Brecha”.

Confira abaixo a programação!

Programas Especiais

Homenagem à obra de Djalma Limongi Batista

02/09

Sábado | 18h | Cinemateca – Sala Oscarito |

“Um Clássico, Dois em Casa, Nenhum Jogo Fora” – Brasil (SP) | 1968 | pb | 25 min

Um rapaz de classe média baixa, desempregado, acorda tarde e sai de casa. Vai procurar um amigo e rompe com ele. Depois perambula por São Paulo. À noite, encontra um parceiro na Galeria Metrópole.

Após a sessão, uma conversa sobre o cinema de Djalma com Marcel Nadale (Jornalismo, 1999), jornalista e autor do livro “Djalma Limongi Batista – Livre Pensador”.

02/09

Sábado | 20h | Cinemateca – Sala Oscarito |

“Hang-Five” – Brasil (SP) | 1975 | pb | 29 min

“Eu queria exercitar um enorme rigor narrativo, não necessariamente acadêmico. Queria contar uma história bem contada, mas de maneira bem estetizante.” (Djalma L. Batista)

“O Mito da Competição do Sul” – Brasil (SP) | 1969 | cor | 17 min

Imagem de uma câmera. Dois alunos falam sobre a escola de cinema. Em uma sala de aula, os alunos atacam e matam um colega; as carteiras se enchem de cadáveres.

“Porta do Céu” – Brasil (SP) | 1973 | cor | 30 min

A origem da devoção popular a Nossa Senhora Aparecida: “a pesca milagrosa” da imagem nas águas do rio Paraíba em fins do século 18.

“Rasga Coração – O Teatro Brasileiro de Anchieta ao Oficina” – Brasil (SP) | 1983 | cor | 12 min

A evolução do teatro brasileiro, desde as origens, no século 16, até a década de 1960.

Curta Cinemateca

01/09

Sexta | 18h30 |Cinemateca Open Air |

Programa especial ao ar livre, com a curadoria de Carlos Augusto Calil, professor do Departamento de Cinema, Rádio e Televisão da ECA, cineasta, ensaísta, editor de livros e gestor cultural.

Foram reunidos alguns dos mais marcantes curtas-metragens da história do cinema brasileiro. Eles trazem assinaturas de nomes como Glauber Rocha, Humberto Mauro, Andrea Tonacci, Joaquim Pedro de Andrade, Leon Hirszman e dos ecanos Aloysio Raulino e Olga Futemma – um verdadeiro panteão do cinema – e do curta-metragem – brasileiro.

“Jardim Nova Bahia” – Brasil (SP) | 1971 | cor/pb | 15 min

Diretor: Aloysio Raulino (aluno de Cinema da primeira turma)

“Retratos de Hideko” – Brasil (RJ) | 1981 | cor | 10 min

Diretora: Olga Futemma (bacharelado em Cinema e mestado em Meios e Processos Audiovisuais)

A Velha a Fiar – Brasil (RJ) | 1964 | pb | 5 min
Diretor: Humberto Mauro

Blablabá – Brasil (SP) | 1968 | pb | 26 min
Diretor: Andrea Tonacci

Maranhão 66 – Brasil (RJ) | 1966 | pb | 10 min
Diretor: Glauber Rocha

Nelson Cavaquinho – Brasil (RJ) | 1969 | pb | 14 min
Diretor: Leon Hirszman

O Aleijadinho – Brasil | 1978 | cor | 22 min
Diretor: Joaquim Pedro de Andrade

Favoritos da Crítica

Guilherme Xavier Ribeiro (Publicidade e Propaganda, 2009)

“Ainda Restarão Robôs nas Ruas do Interior Profundo” | Brasil (SP) | 2022 | cor | 14 min

Na periferia do interior profundo brasileiro, Luquinha tenta recuperar sua égua enquanto convive com o crime e o barulho ensurdecedor de uma cidade conservadora.

Mostra Brasil

Thais Fujinaga (Audiovisual, 2001)

“Quinze Quase Dezesseis” – Brasil (SP) | 2023 | cor | 21 min

Pré-estreia mundial. Direção, roteiro e produção de Thais Fujinaga. A direção de Fotografia é de André Luiz de Luiz (Cinema, 1998).

Com bolsa de estudos em uma escola particular, Tamiris participa do grupo de teatro, descobrindo outras formas de extravasar as energias do seu corpo adolescente. Até que sofre assédio durante uma aula.

26/08	Sábado \| 20h30 \| Cinesesc \|
29/08	Terça \| 20h \| Cinemateca – Sala Oscarito \|

Anna Muylaert (Cinema, 1981)

“O Nosso Pai” – Brasil (SP)

Direção, roteiro e produção: Anna Muylaert

No meio de uma pandemia descontrolada, três irmãs decidem agir.

30/08	Quarta \| 20h30 \| Cinesesc \|
31/08	Quinta \| 18h \| Cinemateca – Sala Oscarito \|

Leno Taborda (Audiovisual, 2018)

“Olhares Trêmulos” | Brasil (SP) | 2023 | cor | 20 min

TCC turma Audiovisual 2018. Direção e roteiro: Leno Taborda. Direção de Fotografia: Luiza Tomaz e Natália Evangelista. Direção de Arte: Daniel Torres. Montagem: Luiza Tomaz. Produção: Victor Stoll (Audiovisual, 2019). Elenco: Alv Lara e Plinio Soares (EAD).

Jovem artista vive uma vida feliz com seu namorado de 65 anos até que o relacionamento é abalado pela descoberta de que seu parceiro tem uma doença degenerativa.

25/08	Sexta \| 15h30 \| Cinesesc \|
30/08	Quarta \| 20h \| Cinemateca – Sala Oscarito \|

Guilherme Xavier Ribeiro (Publicidade e Propaganda, 2009)

“Despovoado, ou Tudo que a Gente Podia Ser” | Brasil (SP) | 2023 | cor | 19 min

Último remanescente de um vilarejo abandonado, um senhor branco esconde suas memórias sobre a chegada do progresso ao interior do Brasil.

25/08	Sexta \| 18h30 \| Cinemateca – Sala Grande Otelo \|
26/08	Sábado \| 15h30 \| Cinesesc \|

Retrospectiva Prêmio Estímulo

Eliana Fonseca (Cinema, 1980 e EAD, 1981)

“A Revolta dos Carnudos” | Brasil (SP) | 1991 | cor | 15 min

Numa clínica de emagrecimento, pacientes e enfermeiros travam uma batalha. No elenco, Edson Celulari (EAD).

31/08

Quinta | 18h | Museu da Imagem e do Som |

Michael Ruman (Cinema, 1981)

“Epopéia” | Brasil (SP) | 1991 | cor | 16 min

Eliana Fonseca no elenco. Direção: Michael Ruman

Colocados de castigo, três amigos desejam livrar-se dos adultos. Criam, então, um universo em que tudo faz parte de um jogo: mas o jogo vai-se tornando perigoso…

31/08

Quinta | 18h | Museu da Imagem e do Som |

Tata Amaral (Cinema, 1982)

“História Familiar” | Brasil (SP) | 1988 | cor | 10 min

Numa metrópole dos anos 80, o relacionamento de um jovem casal encontra numa noite de sexta-feira a oportunidade de revelar seu desgaste.

30/08

Quarta | 19h30 | Museu da Imagem e do Som |

Tata Amaral e Francisco César Filho (Cinema, 1982)

“Poema: Cidade” | Brasil (SP) | 1986 | cor | 11 min

Documentário sobre a obra de Augusto de Campos que devolve à paisagem urbana uma poesia que nela foi inspirada.

29/08

Terça | 19h30 | Museu da Imagem e do Som |

Francisco Cesar Filho (Cinema, 1982)

“Hip-Hop SP” | Brasil (SP) | 1990 | cor | 11 min

A violência urbana vista através da música, da dança e dos grafites feitos pela juventude negra integrante do movimento hip hop de São Paulo.

30/08

Quarta | 18h | Museu da Imagem e do Som

Alain Fresnot (Cinema, década de 1970)

“Amor que Fica” | Brasil (SP) | 1986 | cor | 10 min

Dois casais diferentes se relacionam em um bar da moda. Uma troca de casais movida a fantasia e modernidade.

01/09

Sexta | 18h | Museu da Imagem e do Som |

Roberto Moreira (bacharel e doutor em Cinema pela ECA e professor do CTR)

“Amargo Prazer” | Brasil (SP) | 1990 | cor | 9 min

Lembrança de um amor passado, misturando momentos de alegria e tensão, de afeto e intransigência, de compreensão e repulsa.

31/08

Quinta | 19h30 | Museu da Imagem e do Som |

Luis Dantas (professor CTR-ECA)

“Zuleika” | Brasil (SP) | 1992 | cor | 12 min

Carlos prepara-se para um estranho ritual, mas Zuleika irá intervir e levar a ação a um desenlace inesperado.

01/09

Sexta | 16h30 | Museu da Imagem e do Som |

Toni Venturi (Cinema, 1987)

“1999” |Brasil (SP) | 1993 | cor | 16 min

Uma fábula sobre o poder e a solidão que se passa na noite do milênio.

01/09

Sexta | 18h | Museu da Imagem e do Som |

Ney Latorraca (EAD) e Rosi Campos (Jornalismo, 1974) estão no filme “A Mulher do Atirador de Facas” (1988), de Nilson Villas Bôas, que será exibido dia 29/8, às 19h30, no Museu da Imagem e do Som. Sandra Annenberg, que cursou a EAD, está no filme “Jogo da Memória” (1992), de Denise Vieira Pinto, que será exibido dia 30/8, às 19h30, no MIS.

Cinema em Curso

Pedro Petriche (Audiovisual, 2016) e Clara Dias (Audiovisual, 2016)

“Batimentos” | Brasil (SP) | 2022 | cor | 24 min

Dois irmãos em uma festa: ele se vê intimidado por um novo integrante em seu grupo; ela precisa enfrentar o medo de se expor.

24/08	Quinta \| 16h30 \| Cinemateca – Sala Grande Otelo \|
26/08	Sábado \| 19h \| Centro Cultural São Paulo \|

Lira Kim (Audiovisual, 2018)

“JIB” | Brasil (SP) | 2022 | cor | 8 min

Enquanto lidam com a ausência da avó, mãe e filha ressignificam sua própria relação.

25/08	Sexta \| 16h30 \| Cinemateca – Sala Grande Otelo \|
27/08	Domingo \| 17h \| Centro Cultural São Paulo \|

Conexão USP-Kinoforum

29/08

Terça | 18h | Cinemateca – Sala Oscarito |

Debate 1: “A Produção das Escolas de Audiovisual da América Latina”. Participam Esther Hamburger (professora CTR/ECA/USP), como apresentadora; Carla Larrea Sánchez (México, Centro de Capacitación Cinematográfica), Joaquín Echavarria e Juan Martín Torres (Argentina, ENERC), Leonardo Ortiz (Equador, INCINE) e Teaque O’Hea (México, Universidad Iberoamericana).

30/08

Quarta | 16h | Cinemateca – Sala Oscarito |

Debate 2: “Inteligência Artificial no Audiovisual” – discute o estado da arte dessa tecnologia, sua evolução técnica, implicações éticas e aplicação nas realizações audiovisuais. O encontro reúne Claudio Pinhanez (IEA/USP), JH Crema (realizador), Lucia Santaella (PUC/SP) e Pedro Salles Leite (InnerPlay). A apresentação fica a cargo de Almir Almas (professor CTR/ECA/USP).

Parte da programação pode ser acessada no Brasil por meio das plataformas Itaú Cultural Play, Porta Curtas, Sesc Digital e Spcine Play.

* Colaborou neste post Francisco Cesar Filho (Cinema, 1982), integrante do Comitê de Organização do Kinoforum.

Rubens Rewald lança seu quarto longa ficcional

Pauta — Sat, 18 Mar 2023 13:10:49 +0000

Segundo Tempo, escrito e dirigido por Rubens Rewald, professor e chefe do Departamento de Cinema, Rádio e Televisão da ECA, estreia nos cinemas em março. Protagonizado por Priscila Steinman e Kauê Telloli, o filme tem a participação de vários ex-alunos na produção.

Rubens Rewald fez bacharelado (Cinema, 1985), mestrado (1994) e doutorado (2000) na ECA e é professor de Dramaturgia e Direção Audiovisual do Departamento de Cinema, Rádio e Televisão (CTR).

Priscila Steinman (Ana) e Kauê Telloli (Carl) em cena gravada na Alemanha

A trajetória de uma família é a questão central de Segundo Tempo, quarto longa ficcional de Rubens Rewald, que também fez Corpo, Super Nada e #eagoraoque, além dos longas documentais Esperando Telê, Intervenção e Jair Rodrigues – Deixa que Digam. O novo filme conta a história dos irmãos Ana (Priscila Steinman) e Carl (Kauê Telloli) em busca de suas verdadeiras identidades depois de uma grande perda.

Um ponto crucial do filme é a abordagem das famílias na cidade, suas histórias atuais e antigas. “São Paulo é povoada por inúmeros migrantes e imigrantes, sendo que a identidade da cidade se forma a partir desse caldeirão étnico e cultural. Nesse sentido, há muitas histórias ocultas na cidade sobre pessoas ou famílias que apagaram seus passados para tentar se reinventar em uma nova vida”, explica o diretor, que também assina o roteiro.

Priscila Steinman (Ana) em cena gravada em São Paulo

Ana e Carl nunca se deram bem. Eles precisam deixar de lado as diferenças na tentativa de encontrar seu lugar no mundo. Os irmãos partem para a Alemanha em busca de suas histórias e identidades, tentando descobrir uma narrativa que os ajude a lidar com um mundo caótico, que parece cada vez mais sem sentido. Eles são filhos de Helmut (o ator alemão Michael Hanemann), um imigrante alemão que veio ao Brasil em busca de novas histórias. Em busca de respostas, Ana e Carl fazem o caminho inverso.

A história oculta de Helmut é o fio condutor da trama, como um filme de investigação. Em sua jornada, Ana e Carl terão a missão de juntar e montar os fragmentos estilhaçados dessa história, como num quebra-cabeças. “Em nossa experiência real, as histórias sempre nos chegam incompletas e fragmentadas. Nós somos os únicos capazes de fazer as conexões, sejam elas reais ou imaginárias”, diz o diretor.

“É importante ressaltar que eu venho de uma família de imigrantes. A família do meu pai veio da Alemanha, fugindo da Segunda Guerra Mundial, e a família da minha mãe veio da Hungria e da Turquia, fugindo da guerra entre a Turquia e a Grécia. Todos se conheceram em São Paulo durante a década de 1950, enquanto tentavam iniciar uma nova vida em um novo país. Segundo Tempo, embora completamente ficcional, carrega uma forte abordagem que deriva do meu imaginário pessoal e familiar”, explica Rubens.

O filme já foi exibido em diversos festivais nacionais e internacionais. No Festival de Cinema Judaico em Punta del Leste, ganhou o prêmio de Melhor Filme Latinoamericano. Também participou do Festival do Rio, do Festival Inffinito de Miami e Nova York e do Festival de Cinema Judaico em Boston.

Segundo Tempo é uma produção da Miração Filmes e da Confeitaria de Cinema, com distribuição e lançamento da Pandora Filmes.

Equipe de ecanos

Rodado no Brasil e na Alemanha, o filme conta com elenco e equipe técnica dos dois países, incluindo outros integrantes da comunidade ecana:

Desenho de som: Eduardo Santos Mendes, graduado em Cinema (turma 1981), mestre e doutor pela ECA e professor do CTR.
Mixagem: Sandro Dalla Costa, mestrado em Meios e Processos Audiovisuais (2010) e funcionário do CTR.
Assistência de direção: Ricardo Mordoch, ex-aluno do Curso Superior do Audiovisual (turma 2004), e Thaís de Almeida Prado, graduada (turma 2002) pelo Departamento de Artes Cênicas e mestre em Meios e Processos Audiovisuais pela ECA.
Produção: Rodolfo Castilho Moreno, ex-aluno do Curso Superior do Audiovisual (turma 2009).
Captação do som direto: Gabriela Cunha, ex-aluna do Curso de Cinema e Vídeo (turma 1993).
Também participam do elenco Thaís de Almeida Prado e Thiago Amaral, ex-aluno de Artes Cênicas da ECA (turma 2003).

Diretor

Formado em Cinema pela ECA em 1990, Rubens Rewald é professor doutor da escola na área de Dramaturgia Audiovisual. Escreveu e dirigiu os longas-metragens exibidos comercialmente Corpo (2007), Super Nada (2012) e #eagoraoque (2020). Seus filmes mais recentes são Segundo Tempo (2019, lançamento no Brasil 2023) e Jair Rodrigues – Deixa que Digam (2020, lançamento no Brasil em abril de 2023). Também dirigiu os documentários de longa-metragem Esperando Telê (2009) e Intervenção – Amor Não quer Dizer Grande Coisa (2017), ambos em parceria com Tales Ab’Sáber, e os documentários para a TV Rainha Hortência e Magic Paula (2014) e 800M (2016), em parceria com Aarón Fernandez, além dos curtas Cânticos (1991) e Mutante… (2002). Foi roteirista do filme Hoje (2011), de Tata Amaral, e do documentário Todas as Manhãs do Mundo, de Lawrence Whaba (2016).

Festivais e prêmios

Corpo (codirigido com Rossana Foglia): selecionado para vários festivais nacionais e internacionais, incluindo a Mostra Internacional de São Paulo de 2007, o Palm Springs Festival de 2008 e o Method Fest, em Los Angeles, onde conquistou o prêmio de Melhor Filme Estrangeiro também em 2008.
Super Nada: Prêmio de Melhor Ator no Festival de Gramado 2012; Prêmio Especial do Juri e de Melhor Filme na Mostra Novos Rumos no Festival do Rio 2012; Prêmio Fiesp de Melhor Direção e Melhor Ator Coadjuvante; selecionado para vários festivais, como Amiéns, Mar del Plata, Chicago, Pune (Índia), Montevidéu.
#eagoraoque (em parceria com Jean-Claude Bernardet): exibido na Mostra Internacional de São Paulo; no Festival de Cinema Latino de Toulouse; no ForumDoc BH; na Mostra de Tiradentes; entre outros.
Segundo Tempo: participou do Festival do Rio em 2019; Inffinito de Miami e Nova York; Cinema Judaico de Boston; Festival do Cine Judaico de Punta del Leste (2020), onde ganhou o Prêmio de Melhor Filme Latino Americano.
Jair Rodrigues – Deixa que Digam: selecionado para os festivais É Tudo Verdade, In-Edit, Inffinito de Nova York e Miami e de Cinema Brasileiro em Chicago em 2022, onde ganhou o Prêmio de Melhor Filme pelo voto popular.
Intervenção – Amor Não Quer Dizer Grande Coisa: Festival de Brasília.
Esperando Telê: Festival do Rio, Tiradentes, Cinefoot.
Mutante…: Festival Internacional de Clermont-Ferrand, prêmio de melhor curta e melhor som na Jornada da Bahia.
Hoje: melhor roteiro no Festival de Brasília em 2011.

O filme foi lançado em março de 2023 nas salas de cinema: Belas Artes, Itaú Frei Caneca, Itaú Pompéia, Cine Bijou e Cinesystem Morumbi Town.

Trailer:

Ficha técnica

Roteiro e direção: Rubens Rewald
Produção executiva: Marina Puech Leão e Julia Walker
Elenco: os brasileiros Priscila Steinman e Kauê Telloli e os alemães Michael Hanemann, Laura Landauer e Jochen Stern
Fotografia: Humberto Bassanelli e Sergio Roizenblit
Som: Eduardo Santos Mendes
Montagem: Willem Dias
Direção de arte: Ana Rita Bueno
Música: Claudio Faria
Produção: Miração Filmes & Confeitaria de Cinema
País: Brasil
Gênero: Drama
Ano: 2019 (lançamento no Brasil 2023)
Duração: 107min

Fotos:

Rubens Rewald / Divulgação

Colaboração: Rubens Rewald e Marcos Kurtinaitis

Mário Fanucchi (1927-2022)

Ágora ECA — Tue, 18 Oct 2022 01:27:33 +0000

Mário Fanucchi, jornalista notório por sua atuação vanguardista na televisão brasileira, faleceu no último dia 23 de agosto

Professor do Departamento de Cinema, Rádio e Televisão (CTR) da Escola de Comunicações e Artes (ECA) da USP e diretor da Rádio USP entre 1983 e 1985, o jornalista iniciou sua carreira como locutor da PRJ-2, Rádio Clube de Ponta Grossa, PR, sua cidade natal.

Em 1949, chegou a São Paulo, contratado como locutor e produtor da Rádio Tupi-Difusora, onde atuou no “Matutino Tupi”, de Coripheu de Azevedo Marques, e produziu programas de diversos gêneros, com ênfase no rádio-teatro.

Fanucchi foi também roteirista e produtor de diversos programas da Rádio Tupi e, em 18 de setembro de 1950, ajudou a inaugurar a TV Tupi em São Paulo, a primeira emissora de televisão brasileira.

Excelente desenhista, Fanucchi criou a mascote da TV Tupi: o “indiozinho”, que foi utilizado como vinheta de uma série de programas e intervalos comerciais. O personagem ganhou fama ao acompanhar o popular jingle “Já é hora de dormir” (composta em parceria com o maestro Erlon Chaves), contendo uma mensagem institucional da emissora às crianças que assistiam à programação da TV à noite.

A ideia era indicar o horário ideal para que os guris fossem dormir, terminando assim com a preocupação dos pais de terem que obrigar as crianças a abandonar o aparelho de televisão. (Posteriormente, a canção foi até cedida a um comercial dos Cobertores Parahyba, permanecendo no ar por mais de duas décadas.)

Ainda na TV Tupi, o jornalista atuou como roteirista de telenovelas e escreveu a primeira série de ficção científica brasileira: “Lever no Espaço”, em 1957.

Fanucchi assumiu a direção artística da TV Cultura em 1962. Com a venda da emissora à Fundação Padre Anchieta, entrou para o quadro de produtores da nova entidade, ocupando o cargo de coordenador de Produção.

Na década de 1960, trabalhou com publicidade nas agências Standard Propaganda e Lintas Publicidade Internacional e criou o logo da rádio Jovem Pan.

Em 1972, Mário Fanucchi se aposentou como jornalista profissional, passando a dedicar-se inteiramente a lecionar rádio e televisão como professor da ECA. Em seus mais de 20 anos na Universidade de São Paulo, ele ministrou disciplinas de graduação e pós-graduação, foi diretor da Rádio USP, coordenador de atividades culturais e de comunicação social e publicou o livro “Nossa Próxima Atração – o Interprograma no Canal 3”, pela Editora da USP (Edusp), em 1996.

Fontes:

Jornal da USP – Morre o jornalista Mário Fanucchi, pioneiro da televisão brasileira

Memórias Cinematográficas – Morre o produtor Mário Fanucchi, o criador do Indiozinho da TV Tupi

Museu da TV – Mário Fanucchi – Museu da TV, Rádio & Cinema

Depoimento de Mario Fanucchi sobre jingle “Já é hora de dormir” para Museu Virtual do Rádio e da TV

Jornal da USP – Novos rumos de “revisão nas falas”: ele é dos nossos!

Depoimentos

As mil e uma vozes de Mário Fanucchi

O Mário não foi meu professor nem amigo pessoal, mas foi meu chefe na Rádio USP e também a voz de dezenas de vilões divertidos e cativantes que povoaram o “Cáspite”, o programa de rádio do qual fui produtor e apresentador na Rádio USP no final dos anos 80.

Então, este texto não será uma eulogia tradicional ou mesmo uma minibiografia do Mário, por dois motivos: eu não tenho competência nem propriedade para escrever nem um, nem outro.

Vou escrever sobre como o Mário me marcou nos anos em que estivemos juntos pelos corredores da Rádio USP — ele como diretor, eu como produtor independente.

Não vou falar do que o Mário fez e conquistou em sua vida profissional, porque foram muitas coisas. O cara criou o logo da TV Tupi — isso mesmo, o indiozinho mascote da 1ª emissora de televisão brazuca foi criação dele. Anos depois, Mário criaria outra marca conhecida, o logo da rádio Jovem Pan. Mário compôs música e escreveu a primeira série de ficção científica da TV brasileira (“Lever no Espaço”, 1957), outro pioneirismo. Foi locutor de rádio, ator, professor. Foi muitas coisas. Mas, para mim, ele foi um dos atores que sempre marcava ponto nas gravações do “Cáspite”, preferindo fazer os vilões com os quais se divertia a valer.

Mário tinha uma voz aveludada e poderosa, com um timbre no melhor estilo Wálter Forster. Dicção perfeita, pronunciava todas as sílabas e enunciava frases de efeito como ninguém. No “Cáspite”, o Mário tentou dar cabo do Nick Holmes, enganar o Danny Cannon, afundar o Corto Maltese, esculhambar Terry e os Piratas e atrapalhar a vida de muitos outros heróis das histórias em quadrinhos que eu tentava levar para as ondas do éter todas as semanas. Ele nunca vencia, claro, e voltava sempre na semana seguinte para tentar de novo.

Mário foi um caçador impiedoso na África, contrabandista nos mares do Sul, policial corrupto e cientista louco. Troçava dos heróis e de suas ambições altruístas; sua gargalhada maléfica ecoava em nossos ouvidos no estúdio de gravação, do mesmo jeito que sua risada solta acompanhava a leitura do texto em grupo, sempre o melhor momento do dia. Nos intervalos, Mário sempre contava histórias dos primórdios do rádio brasileiro e dava bem-vindas sugestões para tornar uma frase dura numa locução mais agradável.

Não importava o que estivesse fazendo, o diretor Mário Fanucchi sempre dava um jeito de estar livre para gravar com a gente. O “Cáspite” era um programa de meia hora que, na época em que sabíamos o que estávamos fazendo, precisava de cerca de seis horas para ser gravado, editado e finalizado — sem contar o tempo que eu levava para escrever cada episódio. Mais de uma vez a secretária dele interrompeu a gravação para que o Mário pudesse assinar algum documento, atender alguém importante ou participar de uma reunião. Mas, apesar disso, toda sessão de gravação lá estava ele, pronto para ser o vilão da vez.

Mas não foram apenas vilões que o Mário fez para o “Cáspite”. Ele também foi o artista atormentado da apavorante HQ “O Retrato do Mal”, do também genial Jayme Cortez. Foi um dos programas mais complexos que escrevi e produzi. Com apenas dois personagens, o artista e o demônio invocado pela sua arte, era difícil capturar o clima provocado pelos desenhos em preto e branco espetaculares do Jayme e transportar tudo isso para um meio apenas sonoro como o rádio. Sem a interpretação sensível do Mário, que fez como ninguém o papel do artista que dá um passo maior que as pernas e se vê frente a frente com o Senhor do Mal, seria uma adaptação quase impossível. Mas funcionou e, por esse e outros episódios, nos quais a participação do Mário foi essencial, o “Cáspite” ganhou o Troféu HQ Mix em 1989. A categoria? Melhor adaptação de histórias em quadrinhos para outro veículo.

Meus anos na Rádio USP foram mais ricos porque o Mário estava lá. Sem suas mil e uma vozes o “Cáspite” nunca seria o que foi. Os programas de rádio do andar de cima vão ficar bem mais divertidos de agora em diante.

Sylvio Pinheiro (Publicidade e Propaganda, 1982)

Tive aula com o professor Fanucchi no terceiro ano do curso de Rádio e TV, em 1985. A voz grossa, tantas vezes usada para locuções profissionais, contrastava com o olhar meigo parecido com o de um menino. Contava histórias do começo da TV Tupi e exibia orgulhoso o logotipo do canal, a cara de um indiozinho, desenhado por ele. Incentivava os alunos, principalmente quem o procurava fora das aulas, como eu, e falava apaixonadamente da carreira. Tenho um baita orgulho de ter sido aluna deste mestre que agora se foi da vida terrena. Obrigada, professor, que muitos indiozinhos te recebam no plano espiritual.

Renata Canales (Rádio e TV, 1983)

“Um senhor delicado, um homem dessa importância, que sabia tudo… humilde e generoso, que dividia com os jovens um pouco do seu vasto conhecimento”

Fernando Brengel (Publicidade e Propaganda, 1982)

“Uma canção de ninar que despertava a raiva”

Mário Fanucchi

Créditos fotos: Jornal da USP, Rádio do Paraná, Memórias Cinematográficas

Curso de Audiovisual da ECA foi pioneiro no Brasil

Ágora ECA — Thu, 21 Oct 2021 00:54:31 +0000

Incorporando os cursos de Cinema e de Rádio e TV, o curso Superior de Audiovisual (CSAv) da Escola de Comunicações e Artes foi criado em junho de 1999; o primeiro vestibular foi realizado no ano 2000 para 35 vagas.

O curso é coordenado pelo Departamento de Cinema, Rádio e Televisão (CTR) e forma profissionais para o mercado audiovisual, que inclui Cinema, TV, Streaming, Rádio, Internet e Games. O objetivo é formar profissionais com visão global dos processos de produção, distribuição, financiamento, recepção e crítica audiovisual, estimulando a reflexão, a criação e a realização prática e proporcionando uma formação crítica e técnica.

Esse curso foi pioneiro no Brasil por dar ênfase não a uma mídia específica, como televisão ou cinema, mas às relações entre imagem e som. Esta proposta foi seguida por várias outras instituições de ensino superior públicas e privadas. Em 2006, o currículo original do Curso Superior do Audiovisual da ECA serviu de apoio para o Ministério da Educação criar as diretrizes curriculares para os cursos de cinema e audiovisual.

Em 2010 foi realizada uma ampla avaliação da primeira década de funcionamento do CSAv e foram sugeridas alterações para o aprimoramento do projeto inicial, com participação de professores, alunos, ex-alunos, funcionários do CTR e profissionais do mercado audiovisual. A proposta pedagógica não precisou ser alterada e foram feitos apenas ajustes na organização do calendário curricular. Desde então, o curso não precisou de mais nenhuma alteração estrutural significativa, apenas ajustes circunstanciais e correções de rumo.

O Curso Superior do Audiovisual forma profissionais em estudos teóricos e práticos para o setor audiovisual, nos gêneros de ficção e não-ficção. No campo prático, inclui atividades de direção, roteirização, produção, fotografia, sonorização, montagem e edição de filmes, vídeos, games e obras para mídias digitais, além de redação, produção e edição de programas de rádio e televisão em estúdio. No campo teórico, encontram-se atividades de professor, crítico, curador, gestor e pesquisador em cinema, TV, rádio, games ou mídias digitais.

Profissionais de Audiovisual

diretor, roteirista, produtor, diretor de fotografia, técnico de som direto, editor de som, montador/editor, diretor de arte, produtor de games, gestor de políticas culturais e administrador de produções audiovisuais e de empresas produtoras, distribuidoras e de veiculação, pesquisador, professor, crítico.